Tanto Roy Lichtenstein como Bridget Riley buscaron una esencia detrás del tema de la representación, usando el color para sensibilizar a su audiencia.

El arte es un elemento esencial de la vida y, a menudo, puede ser una guía para abordar los dilemas de la vida cotidiana, una clave para comprender, en un nivel más profundo, las circunstancias y situaciones a las que nos enfrentamos. Aunque una premisa es que el arte se asemeja al alma humana, también es el punto de encuentro entre la realidad y lo surrealista. Considerar el arte como la convergencia de la actualidad y la imaginación y utilizarlo como un medio para descifrar las cosas puede ser una aproximación muy atractiva al tema. Además, el desciframiento del significado oculto detrás del lienzo es efectivo para captar una obra de arte. El proceso también puede arrojar luz sobre conexiones e interacciones ocultas que a menudo se pierden en las narrativas al comparar diferentes artistas, del mismo período o no.

Roy Lichtenstein nació en Nueva York en 1923 y creció en el Upper East Side. Después de formarse en Parsons School of Design, especializándose también en clases de acuarela, tuvo una carrera muy prolífica ingresando en la lista de las galerías de arte más reconocidas de Nueva York en ese momento, incluido Leo Castelli. Leo Castelli Gallery, quizás el lugar comercial más destacado en el mundo del arte en ese momento, presentó la primera exposición individual de Roy Lichtenstein, una prueba infalible con buenos resultados en términos de fama y ganancias.


Durante sus días artísticos, Lichtenstein empleó un caballete giratorio para darle la vuelta al lienzo y poder pintar sobre él desde todos los ángulos y en todas las direcciones. Él mismo afirmó: “A menudo pinto mis cuadros al revés o de lado. A menudo no recuerdo de qué tratan la mayoría de ellos. Los temas no son lo que me interesa ". Tampoco se limitaría a los lienzos, a menudo con técnicas mixtas como cerámica y esculturas, pero también con materiales industriales como el plexiglás.


Lichtenstein era atrevido en su enfoque y usaba principalmente combinaciones de colores atrevidas, y sus representaciones se expandían a cosas más allá de la pintura. Como no estaba representando ni la realidad ni la no realidad, el simbolismo detrás de sus obras estaba a menudo tan suspendido en el aire, congelado en el tiempo, como el sujeto mismo, como en El anillo (El compromiso). El lienzo retrata el momento inmediato que precede a un compromiso. ¿Está tratando de tomar una instantánea de la eternidad? ¿O está tratando de comunicar que el matrimonio es una búsqueda interminable de la felicidad que nunca se encontrará? El significado intrínseco detrás del lienzo permanece sin resolver, al igual que el anillo nunca se deslizará en el dedo de esa dama. El marcado contraste entre las manos de la pareja y el fondo rojo pone los focos en el ring. Sin embargo, también imbuye a la escena de una sensación de ansiedad debido a los paneles puntiagudos rojos que apuntan hacia ella.

Por el contrario, la artista británica Bridget Riley nació en 1931 y se encuentra entre las artistas contemporáneas más célebres. Riley comenzó pintando temas figurativos, en su primera fase produciendo principalmente paisajes, con un enfoque bastante académico, y luego pasó al puntillismo. Georges Seurat fue muy influyente en ella, hasta el punto en que internalizó su práctica, lo que la ayudó a crear su propio estilo característico. En 1960 comenzó a explorar las potencialidades dinámicas de los fenómenos ópticos, produciendo las llamadas piezas de Op-art. Hoy en día, sus obras de arte son poderosas en la respuesta emocional humana y pueden hacer que la gente se sienta mareada o abrumada. Por lo tanto, como Lichtenstein, Riley infunde a la audiencia una sensación de realidad aumentada y, a veces, un estado de no tranquilidad.


De uno a otro es un continuo de líneas en cuatro colores diferentes, pero el espectador nunca percibe los elementos individualmente. Las ondas de azul (y un tono más oscuro de azul), violeta, rosa y naranja se entrelazan. El patrón se estudia cuidadosamente, sucediendo sobre secuencias. La combinación de colores cambiantes y giros le da al espectador la impresión de movimiento en la pintura a medida que las formas en forma de rombo se deslizan sobre el lienzo, vertical y horizontalmente. Al igual que Lichtenstein buscó un significado más profundo más allá de la esencia figurativa, lo mismo se aplica a Riley. La falta de una presencia iconográfica requiere un análisis más profundo para comprender el significado de la abstracción general. Tal vez todo se encuentre en el título, una posible referencia a las instancias radicales de la vida, a medida que nos movemos en oleadas que fluyen de un punto en el tiempo al siguiente.


De uno a otro es un continuo de líneas en cuatro colores diferentes, pero el espectador nunca percibe los elementos individualmente. Las ondas de azul (y un tono más oscuro de azul), violeta, rosa y naranja se entrelazan. El patrón se estudia cuidadosamente, sucediendo sobre secuencias. La combinación de colores cambiantes y giros le da al espectador la impresión de movimiento en la pintura a medida que las formas en forma de rombo se deslizan sobre el lienzo, vertical y horizontalmente. Al igual que Lichtenstein buscó un significado más profundo más allá de la esencia figurativa, lo mismo se aplica a Riley. La falta de una presencia iconográfica requiere un análisis más profundo para comprender el significado de la abstracción general. Tal vez todo se encuentre en el título, una posible referencia a las instancias radicales de la vida, a medida que nos movemos en oleadas que fluyen de un punto en el tiempo al siguiente.

Dado el compromiso constante con el color, es seguro decir que, a pesar del tema figurativo o no figurativo en el lienzo, hay un hilo entre los enfoques artísticos de Roy Lichtenstein y Bridget Riley. En su búsqueda por transmitir significado, la visión de Lichtenstein y Riley fue mucho más allá de la realidad, expandiendo las dimensiones físicas del lienzo en una realidad elaborada que creaban constantemente al hacer arte: el representante se desvanece, lo que queda es la esencia pura e intrínseca. Si el arte puede guiarnos a través de los dilemas de la vida, también puede crear nuevos dilemas.

Por: Bianca Spaggiari /MutualArtArtículo disponible aquí